Vídeo exposición Fundación Vela Zanetti(León)-marzo 2017

 

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La isla de los muertos

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Arnold Böcklin – “La isla de los muertos” (1883, óleo sobre lienzo, 150 x 80 cm, Alte Nationalgalerie, Berlín)

Otra obra que me marcó en mi adolescencia.Su atmósfera llena de misterios,la barca solitaria…Esas sensaciones, todavía me deja hipnotizada y aún más con la música de fondo que encontraréis unos párrafos más abajo.

“La isla de los muertos” del pintor simbolista Arnold Böcklin es una obra fascinante, llena de silencio, magia y misterio, y con ese toquecillo tétrico tan propio de fines del XIX. El artista no quiso explicar nunca su significado, por lo que a día de hoy sigue siendo un cuadro deliberadamente ambiguo, abierto a múltiples interpretaciones, o quizás sea mejor hablar de sensaciones.

Un pequeño bote, conducido por un remero a quien muchos han querido identificar con Caronte, se acerca al embarcadero de una isla rocosa. En la proa, podemos ver a una figura de pie, envuelta en una capa o sudario blanco, y un objeto colocado transversalmente que podría ser un ataúd, también cubierto con una tela blanca y decorado con guirnaldas. El bote avanza lentamente, sin alterar lo más mínimo la superficie inmutable del agua. En las paredes de la isla hay excavados unos nichos o cuevas; sobre una de estas aberturas, a la derecha, aparecen las iniciales del artista “talladas” en la roca (quizás sea una referencia a su morada final en la tierra). Y ya no alcanzamos a ver nada más. Los cipreses de la isla, un árbol tradicionalmente relacionado con la muerte y los cementerios, nos ocultan lo que hay más allá de la puerta. ¿Dónde estamos nosotros? ¿En tierra firme, mirando la isla desde la lejanía? ¿O de pie en otra barca, acercándonos a ella?

Que se sepa, Böcklin pintó cinco versiones de esta obra. Las dos primeras son de 1880 y se conservan en el Kunstmuseum de Basilea y en el Metropolitan Museum de Nueva York respectivamente. Según parece (aunque hay dudas), Böcklin empezó con la versión de Basilea y cuando la tenía casi acabada, recibió la visita de una mujer llamada Marie Berna, que quería una obra para recordar a su difunto marido. Böcklin pintó para ella una segunda versión del cuadro, más pequeña, añadiendo el ataúd y la figura de blanco que vemos en el bote (esta sería la versión del Metropolitan). Como le gustó el resultado, añadió estos dos elementos también a la primera versión. La que tenemos aquí es la tercera versión, que le encargó en 1883 su marchante Fritz Gurlitt, que fue quien le puso el título al cuadro. Con muy buen ojo, le pidió a Max Klinger que hiciese una serie de grabados sobre la obra, que se vendieron como churros e hicieron que este cuadro de Böcklin se convirtiese en una de las obras de arte más famosas de fines del XIX. El compositor ruso Sergei Rachmaninoff compuso en 1909 un sugerente poema sinfónico basado en este grabado, que podéis escuchar aquí: http://goo.gl/NyeEm. Cuando esta tercera versión se puso a la venta en 1933, la compró uno de los personajes más odiados de la historia, el mismísimo Adolf Hitler. Hoy en día está expuesta en la Alte Nationalgalerie de Berlín. La cuarta versión (1884), que pertenecía al barón Heinrich Thyssen, fue destruida en Berlín, durante los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial, y la quinta y última versión (1888) está en el Museo de Bellas Artes de Leipzig.

Un cuadro con historia, ¿verdad?

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Huyendo de la crítica de Pere Borrel

Pere Borrell del Caso – “Huyendo de la crítica” (1874, óleo sobre lienzo, 76 x 63 cm, Colección Banco de España, Madrid)

Este lienzo del pintor catalán Pere Borrell del Caso es uno de los trampantojos más populares de la historia del arte. El chaval desharrapado y con ojos de loco que posaba en el retrato, ha decidido salir pitando del cuadro antes de que llegue algún crítico de arte resabiado que le ponga de vuelta y media.

Efectista a más no poder… Pero también hace pensar en los límites teóricos de la pintura. El marco dorado ficticio es la frontera que marca la separación entre el mundo real y el representado, pero el retratado se lo salta y entra en nuestra realidad como quien no quiere la cosa. Ciertamente, el modelo que posó para la obra era un chico de carne y hueso que el artista “pegó” al lienzo utilizando sus pinceles. ¿Por qué no va a tener derecho el clon a salir de la obra si le da la gana? ¿Quién es más real pasado el tiempo, el chico que ya no existe y nadie recuerda cómo era o la imagen inmutable del mismo que hizo el pintor y que podemos seguir contemplando muchos años después?wp-1488039066077.png

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Gustavegustave-courbet-the-desperate-man1 Courbet – “Hombre desesperado” (1843-1845, óleo sobre lienzo, 45 x 54 cm, colección privada)

Este es uno de los autorretratos más famosos de Gustave Courbet, pintado cuando todavía era un jovencito de veintitantos años. Es una obra impactante y magnífica, en la que el artista hace gala de su prodigiosa técnica pictórica, sin embargo, sigue siendo una obra romántica. Courbet no se había convertido todavía en el gran abanderado del arte realista, en ese pintor controvertido que revolucionaría el mundo del arte. En este autorretrato no estamos viendo a un hombre realmente desesperado, es una simple pose teatral con una iluminación lateral de lo más efectista: los ojos desorbitados, la boca entreabierta, las manos mesándose el cabello. Es el prototipo perfecto de artista romántico en plena crisis existencial, joven, guapo, con una bonita melena y una barba y bigote bien cuidados. El gran acierto del cuadro es la ambigüedad que transmite. Aunque de primeras parece que nos esté mirando, si nos fijamos bien nos damos cuenta de que en realidad se está mirando en un espejo. Los ojos se dirigen hacia el espectador, pero la mirada no nos llega, se queda por el camino o nos sobrepasa, como si fuésemos invisibles, como si no estuviésemos ahí

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Alberto Durero – “Autorretrato con 28 años” (1500, óleo sobre tabla, 67 x 49 cm, Alte Pinakothek, Munich) Alberto Durero se gustaba mucho (estoy convencida de que cuando se miraba en un espejo, se daba hasta besos). Era guapo y presumido, y se… Alberto Durero – “Autorretrato con 28 años” (1500, óleo sobre tabla, 67 x 49 cm, Alte Pinakothek, Munich) Alberto Durero se gustaba mucho (estoy convencida de que cuando se miraba en un espejo, se daba hasta besos). Era guapo y presumido, y se autorretrató bastantes veces, para que la humanidad del futuro tuviese la oportunidad de deleitarse con su rostro perfecto y su espectacular melena rubia. Pero es que en esta obra concreta, estaba tan crecidito que se pintó como si fuese Jesucristo (no es el único artista en compararse a tan ilustre personaje, acordáos de Gauguin y su “Autorretrato como Cristo en el Monte de los Olivos”). Esta postura frontal y simétrica, en la que el personaje pintado se enfrenta al espectador con poderío, mirándole a los ojos, estaba generalmente reservada a las imágenes religiosas. Al común de los mortales, los artistas solían retratarles de tres cuartos (a medio camino entre la postura de frente y la de perfil). Aparte de la pose, hay muchos otros elementos que nos hacen pensar en la iconografía de Jesucristo, como el cabello largo peinado con raya al medio, la mirada intensa e impasible, la barba y el bigote y esa mano que parece estar bendiciendo (aunque en realidad está sobando su elegante chaqueta forrada de piel). En el lado izquierdo del lienzo, a la altura de sus ojos (para que no se nos pase), ha estampado la fecha de realización (1500) y su monograma (AD), que curiosamente coincide con la abreviatura de “anno domini” (año del señor) que solía añadirse a las fechas. Al otro lado, ha escrito un texto en latín que dice lo siguiente: “Por consiguiente, yo, Alberto Durero de Nuremberg, me pinto a mí mismo con colores indelebles a los 28 años de edad”. (Solo le falta añadir un “porque yo lo valgo”.) A pesar de todo, Durero mantiene algunos detalles naturalistas que le hacen parecer humano, como el vestuario civil, el flequillo despeinado y la ligera asimetría de su rostro (con un ojo más alto que el otro). Con este tipo de obras, en las que el artista se pinta a sí mismo como un caballero o un humanista, los pintores del Renacimiento trataban de reclamar la importancia de su arte. Estaban deseando que la gente dejase de verles como meros artesanos y empezasen a considerarles creadores de obras intelectuales.

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Los prerrafaelistas

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Mariangel Gonzalez Suarez-Biografia y enlaces

Mariangel Gonzalez Suarez-Biografia y enlaces.

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Las Meninas de Velazquez han desaparecido

Las Meninas de Velazquez han desaparecido

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LA OLA DE HOKUSAI-La gran ola

Esta obra se realiza hacia 1829 con un   La gran ola de Hokusaiplanteamiento geometrico con cierta  influencia de occidente,ya que por aquellos  tiempos Japon se abre al mundo exterior despues de siglos aislado.

Utiliza la perspectiva creando un efecto de profundidad con el monte Fiji al fondo.

La pintura tradicional japonesa usa una tecnica de aspecto plano,sin profundidad de campo.

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Hay muchos comentarios sobre esta obra,entre ellas,que para añadir mas drama es cuando se observa en su lado izquierdo.Esto se debe a que los japoneses su lectura lo hacen en sentido de derecha a izquierda,o sea, al contrario que nosotros que lo hacemos de izquierda a derecha.

Esto quiere decir que al observar la obra en sentido inverso como esta arriba  se provoca un impacto visual al publico japones al que es destinado.Si se observa bien ambas obras el efecto es diferente.Es muy curioso.

 

 

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